Shrik

En noruego significa grito, es el título de la obra del artista Edvard Munch, nacido en Noruega en 1863, lugar en el que también muere. Su obra es el producto de una expresión propia, en ella transmite su estado de ánimo, el mismo que aprecia en el contexto que le rodea tras sentir la soledad y la angustia del  cambio de su sociedad a finales del siglo XIX. la angustia reflejada en el rostro del grito puede ser la suya, la propia del sentimiento interno, no es lo de afuera, o es quizá la metáfora del modelo socioeconómico de su época. Refleja su interior, no el exterior, no hay realismo, es también una contraposición a las corrientes artísticas naturalistas que devenían en su tiempo.

Cuando solo tenía 17 años comenzó a pintar y se registró para estudiar en: la "Bohème de Cristiania, donde artistas y escritores buscaban luchar contra la hipocresía de la sociedad de Oslo. Ya en París, en 1889 el artista redacta su manifiesto contra los naturalistas: 1."No se pintarán más interiores con gente que lee y mujeres que tejen. Se pintarán hombres que viven, respiran y sienten, que sufren y aman. La gente comprenderá que se es algo así sagrado y se quitará el sombrero como si estuviese en una iglesia".1. Como así lo contó cuando hablaba sobre su obra, ésta fue pintada en 1895 después de vivir una experiencia con sus amigos: "iba por una largo camino con dos amigos cuando el sol se escondía. El cielo se tornó de un momento a otro de rojo sangre, me detuve muerto de cansancio y sobre la ciudad se veía sangre y lenguas de fuego. Mis amigos continuaban caminado, pero yo temblaba de miedo y sentía que un enorme e infinito grito se perdía entre la naturaleza".

Como obra icono de la cultura pop ella está caracterizada por representar no solo su angustia, cada elemento integral dentro del grito es la expresión que devela una situación acaecida, es así como el puente se ofrece al paso del tiempo que continua sin detenerse, las aguas agitadas son tan reflejo de esa angustia, de modo que si no existieran, no sería igual la carga dramática que infunde la expresión de su rostro. Plasma los sentimientos, exteriorizar las emociones.

Su estilo intenta anticiparse al expresionismo de principios de siglo XX.

2."En la pintura de Munch aparece el rostro del mundo alimentado por esas fuerzas desconocidas que forman parte también de la condición humana. Su ambicioso proyecto titulado El friso de la vida (1893-1918), al que pertenecen sin duda sus cuadros más representativos, refleja los sentimientos y las obsesiones humanas. Veintidós de esas pinturas fueron expuestas, en 1902, en la muestra del grupo berlinés Sezession. La mayoría de ellas refleja la desilusión del fin de siglo y la imagen del hombre como víctima."2.

Paisaje con colores contrastados como enlaces de la angustia existencial del pensamiento humano, utiliza la experiencia que ve, vive y sortea en las obras que pinta en las que irradia el espíritu y los temores más personales. En la Galería nacional de Oslo en  Noruega se encuentra la obra que originalmente llamo desesperación, pero que no es más que el Skrik de sus vivencias y su condición, que es casi como la condición de su país. Una condición que compartimos y por la que hemos decidido rescatar para nuestro trabajo. Como en Atemanía, la obra es una obra subastada por 120 millones de dólares, obra que representa la locura de nuestra contemporaneidad, expresión de la angustia, y que puede ser reflejo de los campesinos o de los ciudadanos de Colombia. 

En 1961 la revista Time utilizó la obra El grito en la portada de su edición dedicada a los complejos de culpa y a la ansiedad, nosotros decidimos contextualizar nuestra obra en una importante revista de circulación nacional con el fin de recrear una situación ideal en la cual los medios sirven al pueblo como medio de expresión y lucha para que sean escuchadas sus denuncias. En la re interpretación de la obra cambiamos los personajes usados por Munch por seres de nuestra contemporaneidad, los personajes solitarios que se alejan del grito fueron cambiados por un policía del ESMAD y un campesino que es llevado a la fuerza, a diferencia de la obra original estos hombres no se alejan sino que se acercan, acechan al grito y la soledad está representada en el abandono del estado a un pueblo que angustiado grita al viento su realidad. 

El paisaje de Oslo transmuta a los campos colombianos con una intervención de las casas campesinas, pequeños arados y animales que irrumpen sutilmente en la obra, también se logra apreciar una suerte de humo que representan la pobreza y el caos del entorno. Decidimos conservar la paleta de colores usados por Munch, ya que reflejan la angustia de nuestro tiempo y la sangre derramada por nuestros campesinos. 

El personaje central es representado por un campesino que ante su situación, el abandono del estado, su angustia e impotencia, suelta al aire un grito que se pierde entre el paisaje, un grito ante los falsos positivos, un grito ante el "robo ingreso seguro", un grito ante las chuzadas del DAS, un grito ante los negocios de los hijos de los gobernantes, un grito frente a los abusos y una expresión auténtica de los titulares en el país del sagrado corazón de Jesús. Amén!

Fuentes

Biografías y Vidas – Consultado el 2 de noviembre de 2013 http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/munch.htm 

Esther Fonseca, Corresponsal del Servicio Informativo Iberoamericano de la OEI, Madrid – Consultado el 2 de noviembre de 2013  http://www.oei.org.co/nuevo%20sii/nentrega2/art06.htm 

Un viaje a castillete, las muñecas de Armando Reverón

En la fotografía, Armando Reverón y sus muñecas

(Caracas, Venezuela, 10 de mayo de 1889 - Ibídem, 18 de septiembre de 1954) fue un artista plástico venezolano considerado el mejor de Venezuela del siglo XX. Hijo único de Julio Reverón Garmendia y Dolores Travieso Montilla. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Caracas; en España y en Francia. 

Durante su niñez y tras el fracaso del matrimonio de sus padres es enviado a Valencia a vivir con unos tutores, Los Rodriguez - Zucca.  Ellos le contaban a doña Dolores, madre de Reverón, sobre el temperamento "triste, irascible y melancólico" de su hijo Armando. Entre los 12 y 13 años, sufre de tifus, lo que para creencia de muchos lo afectaría psíquicamente por el resto de su vida.

Luego de vivir y formarse como artista plástico en Europa, Reverón decidió mudarse a la ciudad de Macute en Venezuela, donde realiza gran parte de su obra, capta y transmite el impacto de la luz tropical. Allí adquirió un terreno en el cual construyó una casa a la cual llamó Castillete. La decisión de mudarse, coincidió también con un cambio de conducta y por supuesto, una transformación de sus conceptos artísticos. En este período, al adoptar hábitos primitivos y desvinculado de la ciudad, Reverón pudo desarrollar una percepción más profunda de la naturaleza y esto lo llevó a emplear un método de pintar, así como a adoptar procedimientos y materiales que se adecuaban a su afán de representar la atmósfera del paisaje bajo efectos del deslumbramiento producido por la luz directa del Sol. Además, creó valores cromáticos e ideó nuevos soportes, utilizando elementos autóctonos.

Visita a Reverón en el sanatorio San Jorge

Entró así a lo que el crítico Alfredo Boulton llamó su "Época Blanca", ubicada aproximadamente entre 1924 y 1932. En 1933, se le hizo un primer reconocimiento, al realizarse una exposición de su obra en el Ateneo de Caracas, que luego fue presentada en la galería Katia Granoff de París, Francia. A comienzos de 1940, inició su "Período Sepia", al que correspondería un conjunto de lienzos pintados en el litoral y en puerto de La Guaira y en donde los tonos marrones del soporte de coleto constituyen el valor cromático dominante de la composición; paisajes de mar y tierra donde destacan las marinas del playón, a los que siguió un período depresivo tras sufrir el artista una crisis psicótica que obligó a su reclusión en el sanatorio "San Jorge", de "José María Finol". Ya recuperado, no volvió a pintar como antes.

A partir de este momento, se refugió en un universo mágico que, en torno a objetos y muñecas creados por él, dio origen a la última y delirante etapa expresionista de su obra; etapa figurativa caracterizada por el empleo de materiales tales como tizas, creyones y por una fantasía teatral que se tornaba más y más incontrolable pero que, a través de un dibujo que aspiraba a la corrección académica, buscaba restituir el equilibrio emocional de Reverón.

Película argumental en homenaje a Armando Reverón

De un barco al exilio: La locura en el renacimiento

Obra "La nave de los locos"
de El Bosco

Con la llegada del renacimiento se acaban los exorcismos y las trepanaciones de cráneos. Se opta por erradicar a los locos, sacarlos de la ciudad, de las calles, del espacio público, en un movimiento centrifugo. Se les deja recorrer los campos apartados. Otros son librados a su suerte con un barco sin timón. Sin embargo, este viaje no sólo hacía las veces de barrendero humano, sino que, otorgaba al loco la posibilidad de purificación, sumado al hecho de que cada uno es entregado a la suerte de su propio destino, pues "cada viaje es, potencialmente, el último" .

El primer período foucaultiano, o del gran embarco de los locos, se refiere al primer movimiento "oficial" de manejo europeo (llevado a algunos países en Occidente también) sobre la locura que fue, durante la Edad Media, excluirlos de las ciudades, fuera de los muros, más allá de los espacios seguros para el resto del mundo  (dentro de las ciudadelas). Aquellos que contaban con dinero también los sacaban del hogar para institucionarlos en lugares fuera de la ciudad. "Se trata de sacar de la ciudad, de las calles, del espacio público, estos elementos poco gratos para la autoridad, los locos, en un movimiento que podríamos llamar centrífugo (hacia fuera). Del gran espacio de la calle, a espacios alejados de la ciudad, fuera de la ciudad, fuera del país.

A partir de Erasmo de Rotterdam y del Humanismo, la locura pasa a ser parte directa de la razón y una denuncia de la forma general de la crítica. Es la locura la que ahora analiza y juzga a la razón. Los papeles se invierten y dejan ver que una no podría sobrevivir sin la otra, pues ambas son una misma cosa que, en determinados momentos, se desdobla para revalidar su necesaria presencia en el mundo.

¿Por qué Atemanía?:La locura en la Antigüedad

Los antiguos creían que la locura era sagrada, era obra de los dioses o dáimones. Las divinidades enviaban la locura, como castigo o como venganza. En ésta época, las personas no eran culpabilizadas por su trastorno; eran más bien consideradas como víctimas inocentes de fuerzas sobre las que no tenían control alguno.

Tres dioses de la mitología griega estaban asociados a la locura:  Até, Manía y Dionisios.

Até, Atea o Ateo

Era la diosa de la fatalidad, personificación de las acciones irreflexivas y sus consecuencias. Típicamente se hacía referencia a los errores cometidos tanto por mortales como por dioses, normalmente debido a su hibris o exceso de orgullo, que los llevaban a la perdición o la muerte.

Antigua estatua romana
de dionisios

En la Ilíada, se dice que Atea es la hija mayor de Zeus, sin mencionarse madre alguna. Instigada por Hera, Ate usó su influencia en Zeus para que éste jurase que el día que naciera un mortal descendiente suyo, éste sería un gran gobernante. Hera inmediatamente retrasó el nacimiento de Heracles y provocó el de Euristeo prematuramente, logrando así que éste obtuviese el poder destinado al primero. Encolerizado, Zeus arrojó a Atea a la tierra para siempre, prohibiendo que volviese al cielo o al Olimpo. Atea vagó entonces por el mundo, pisando las cabezas de los hombres en lugar de la tierra, provocando el caos entre los mortales.

Manía

La diosa Manía era la personificación de la locura. Era enviada a los que no observaban las leyes sagradas y los volvía locos. Era ella la que empujaba a dioses y héroes a las catástrofes, y los impulsaba a cometer crímenes.

En una de las tragedias de Eurípides, el malvado Licos amenaza la vida de Megara, la esposa de Hércules. Hércules regresa justo a tiempo y mata Licos. Pero Hera provoca un arrebato de locura en él, por lo que Hércules mata a su mujer, a sus hijos y por poco también a su padre. Cuando vuelve en sí, se llena de desesperación. Teseo lo toma bajo su protección y lo lleva a Atenas para ser purificado de los asesinatos.

Dionisio

En la mitología clásica,  es el dios del vino, inspirador de la locura ritual y el éxtasis, y un personaje importante de la mitología griega. Aunque los orígenes geográficos de su culto son desconocidos, casi todas las tragedias lo presentan como «extranjero».Fue también conocido como Baco y el frenesí que inducía, bakcheia. Es el dios patrón de la agricultura y el teatro. También es conocido como el "Libertador" (Eleuterio), liberando a uno de su ser normal, mediante la locura, el éxtasis o el vino. La misión divina de Dioniso era mezclar la música del aulós y dar final al cuidado y la preocupación. Los investigadores han discutido la relación de Dioniso con el «culto de las almas» y su capacidad para presidir la comunicación entre los vivos y los muertos.